El Rincón de los Niños Perdidos

"No hay ensayo general, cada día es debut y despedida"

miércoles, abril 17, 2013

Tipos Legales

Título original Stand Up Guys
Año 2012
Duración 95 min.
País Estados Unidos
Director Fisher Stevens
Guión Noah Haidle
Música Lyle Workman
Fotografía Michael Grady
Reparto Al Pacino, Christopher Walken, Alan Arkin, Julianna Margulies, Mark Margolis, Lucy Punch, Vanessa Ferlito, Addison Timlin, Bill Burr, Katheryn Winnick
Productora Lionsgate / Sidney Kimmel Entertainment / Lakeshore Entertainment
Género Comedia. Mafia
Web Oficial http://www.standupguysfilm.com/
Sinopsis Val (Al Pacino) sale de la cárcel tras cumplir 28 años de condena. Doc (Christopher Walken), su mejor amigo, le espera a la salida para ir a ver a Hirsch (Alan Arkin), otro viejo colega. A pesar de la edad, los tres gangsters deciden reanudar esa misma noche su vida de crímenes, drogas y sexo. Sin embargo, Doc tiene que hacer antes un trabajo urgente que le ha encargado el jefe de la banda: debe matar a Val para saldar una cuenta pendiente. El dilema es peliagudo, y dispone de poco tiempo para resolverlo. (FILMAFFINITY)

Una cartelera en la que aparecen tres apellidos como Pacino, Arkin y Walken es motivo suficiente com para que el que suscribe invierta 95 minutos de su vida. 

Desgraciadamente no hay nada infalible y lo que a priori prometía convertirse en objeto de culto, se queda en una simplemente entretenida comedia con algún que otro momento destacable.

La historia es bastante simple y las situaciones de los personajes suenan a ya vistas con anterioridad. No hay giros argumentales, no hay desarrollo de la historia. Las situaciones se suceden secuencialmente sin que parezca que haya un nexo claro, como si fueran pequeños gags cuyo único nexo de unión fuera sus protagonistas. Y no digo que no haya situaciones que funcionen, pues me gustaron las escenas del prostíbulo (con una acertadísima y divertida Lucy Punch) y algún que otro diálogo entre Walken y Pacino, pero la historia de Vanessa Ferlito, por ejemplo, parece metida para llegar a los 95 minutos de metraje (como una mini-historia más). A mi modo de ver a nivel argumental, falta un poco de cohesión.

A nivel actoral destaco la serenidad y el buen hacer de Walken, Creo que de largo, su rol es el más rico de la historia, aunque a veces da la impresión de que se podría haber entrado muchísimo más en el personaje. Sin embargo Pacino me aburre. Considero que ya sobreactúa por defecto. Quizás me cansé ya de sus gesticulaciones y andares de spaguetti, pero no me acabo de creer a su personaje en muchas de las escenas. Arkin, por muy grande que aparezca su nombre en el cartel, aparece un cuarto de hora a los cuarenta minutos de película. No está mal, pero a pesar de lo mucho que me gusta el actor, no pude evitar pensar en una versión muy descafeinada del aguerrido abuelo de Pequeña Miss Sunshine. Los actores de reparto cumplen, aunque destaco a la mentada Lucy Punch porque me hizo gracia en las tres escenitas en las que aparece. Julianna Margulies (Urgencias) aparece como enfermera durante apenas 10 minutos sin pena ni gloria.

No hay mucho más que destacar salvo un par de diálogos entre Walken y Pacino (ambos ganados por KO por Walken) y que me esperaba un cruce entre Jo,que noche! y Carlito´Way y me quedé muy por debajo de mis expectativas. La salvo por alguna que otra escena y por el buen hacer de alguno de sus protagonistas, pero se queda en un suficiente raspado. Entretenida sin más (algo bastante triste para el reparto que alberga).


Lo mejor: El buen hacer del reparto y algún acertado gag.
Lo peor: Que da la sensación de estar muy desaprovechada y de contar con una trama muy inconexa.

Género: Comedia: 3; Drama: 1.

lunes, abril 08, 2013

Posesión Infernal 2013

TÍTULO ORIGINAL Evil Dead
AÑO 2013
DURACIÓN 91 min.
PAÍS EE.UU
DIRECTOR Fede Álvarez
GUIÓN Diablo Cody, Sam Raimi, Fede Alvarez, Rodo Sayagues Mendez
MÚSICA Roque Baños
FOTOGRAFÍA Aaron Morton
REPARTO Jane Levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci, Elizabeth Blackmore, Jessica Lucas
PRODUCTORA FilmDistrict / Ghost House Pictures / Mandate Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE)
WEB OFICIAL http://www.evildead-movie.com/
GÉNERO Terror Gore Remake.
SINOPSIS Cinco amigos se alojan en una cabaña de Tenessee para así poder ayudar a una de los jóvenes, que se encuentra en rehabilitación por drogas. Estar sin sus drogas convierte a la chica en una persona agresiva, lo que llevará a sus amigos a no darse cuenta de que en realidad esta poseída por demonios que fueron desatados al leer el Necromicon... Remake del clásico de Raimi. (FILMAFFINITY)

Pensé que nunca iba a decir algo así, pero, en mi opinión, Posesión Infernal es uno de los pocos remakes de terror que superan a la obra original (a pesar de que haya quien diga que poco había que superar). Bien es cierto que la historia que nos ocupa difiere del original en el fondo (mientras que en la original la muchachada acudía a la cabaña a tomar de todo menos el aire, en esta, el grupo llega para ayudar a desintoxicarse a una de sus componentes) y en la forma (los medios actuales nada tienen que ver con los que pudo manejar Raimi en el 81), pero el espíritu de Raimi (homenajes incluidos) está presente en cada tablón de la maldita cabaña.


El guión sigue sin ser nada intrincado y se asemeja bastante al anterior, aunque en esta ocasión se me hizo muy larga la presentación de los personajes (cerca de 40 minutos hasta que empieza a pasar algo). A la vez, me parece curioso que para crear un guión así hayan hecho falta 8 manos (entre ellas las del propio director y la famosa Diablo Cody). Lo que si que está claro es que cuando arranca, no para hasta los títulos de crédito (atención al gracioso aunque brevísimo homenaje a la saga tras los mismos). Los acontecimientos se suceden cual montaña rusa del horror tras el descubrimiento (en buena hora) del famoso sótano que todo fan de la original recordará. En esta ocasión, lo escabroso está mucho más presente, al contar el argentino Fede Álvarez con un buen presupuesto y unos impactantes y realistas efectos especiales. Nada se deja a la imaginación y las mutilaciones y desmembramientos muestran todo su esplendor en primerísimo plano para regocijo del más sádico espectador. Se dice que han utilizado cerca de 25.000 litros de "sangre" para rodar esta nueva incursión en la cabaña. Yo no los conté, pero teniendo en cuenta el delirante final, no dudo que se hayan quedado cortos a la hora de contabilizarlos. Debo decir que lo que más me ha gustado en este punto es que la presencia del ordenador pasa desapercibida. Se nota que los efectos, con más medios y ayudas, han querido respetar a la vieja escuela (la sangre, por ejemplo, riega realmente a los actores y no es una mancha digital añadida).


El plano actoral cumple, aunque no nos engañemos, ninguno pretende llevarse el Oso de Berlín, pero dan el pego bastante bien. En mi opinión no hay ninguno que sobresalga y todos colaboran al buen desarrollo de la historia con sus buenos litros de hemoglobina, cual donantes de sangre y órganos.

Me sorprendió encontrar a Roque Baños a cargo de la sobrecogedora banda sonora. Muy buena y acorde a la historia. Cuando vi el trailer supuse, visto lo que suele pasar, una epiléptica banda sonora plagada de Marylin Mansons y Rob Zombies, pero me alegro de que no haya sido así.

Soy defensor acérrimo del resurgir del bueno de Jason Voorhees de la mano del señor Marcus Nispel. Creo que embruteció al personaje de una manera que nadie esperaba y devolvió ese aura de absoluta brutalidad a Jason. Álvarez ha hecho lo mismo con el demonio escondido entre las páginas del Necronomicón y sus víctimas: ha maquillado todo estupendamente y nos lo ha plantado en toda su crudeza para delirio de los fans de la casquería. Ciertamente no es la película del año, pero creo que es muy superior a lo que cualquier admirador de la original esperaba de ella. Gustará tanto a los más fanáticos de Raimi como a los amantes de la casquería sin concesiones.


Lo mejor: Los efectivos FX y el salvajismo que faltaba en la original 
Lo peor: Que tarda un poquillo más de lo deseado en arrancar.

Género: Terror: 4; Violencia: 5.

Escuchando: Hate Me! - Children Of Bodom


lunes, octubre 29, 2012

Argo

TÍTULO ORIGINAL Argo
AÑO 2012 
DURACIÓN 120 min.
PAÍS EE.UU
DIRECTOR Ben Affleck
GUIÓN Chris Terrio
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Rodrigo Prieto
REPARTO Ben Affleck, John Goodman, Alan Arkin, Bryan Cranston, Taylor Schilling, Kyle Chandler, Victor Garber, Michael Cassidy, Clea DuVall, Rory Cochrane, Tate Donovan, Chris Messina, Adrienne Barbeau, Tom Lenk, Titus Welliver
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / GK Films / Smoke House Pictures
PREMIOS 2012: Festival de San Sebastián: Sección oficial (fuera de concurso)
2012: Festival de Toronto: Nominada al Premio del Público (Mejor película)
GÉNERO Thriller. Drama
SINOPSIS Cuando, en 1979, la embajada de los Estados Unidos en Teherán fue ocupada por un grupo de iraníes, la CIA y el gobierno canadiense organizaron una operación para rescatar a seis diplomáticos estadounidenses. Con este fin se recurrió a un experto en el arte del disfraz y se preparó el escenario para el rodaje de una película ("Argo"), en la que participaba un equipo de cazatalentos de Hollywood. (FILMAFFINITY)

Argo es una de esas películas que, debido a estar basadas en una increíble historia real, pueden intentar sorprender más que la propia historia, incluyendo elementos que acaban por lastrar el resultado final. Afortunadamente el buen hacer del señor Affleck y la siempre acertada mano de George Clooney en la sombra, han conseguido que podamos asistir a uno de los pasajes más inverosímiles, pero desgraciadamente real, de la historia de la CIA. Y es que Argo no necesita florituras ni grandes artificios para dejar boquiabierto al espectador, pues la historia de los seis americanos atrapados en el Irán de Jomeini y la estrambótica operación que se montó para sacarlos, es suficiente para dejar perplejo al espectador más pintado.

Como ya todos los niños perdidos sabéis, soy un detractor acérrimo del señor Ben Affleck en su vertiente actoril. Considero que su faceta de actor está más acabada que la serie Lost (gracias al cielo...), a pesar de que la ñoña Persiguiendo a Amy esté incluida entre mis películas de cabecera (pero eso es una historia que deberá ser contada en otra ocasión...). Sin embargo, cuando se pone tras la cámara la cosa cambia. Sus, hasta la fecha, tres incursiones en este terreno (ya prepara la versión del libro Apocalipsis de Stephen King), me parecen de notable alto (en su ópera prima podría aceptar el sobresaliente). Argo no es una excepción y si bien me ha gustado algo menos que Adiós pequeña, adiós, me ha sorprendido mucho más que su segundo trabajo (The Town, Ciudad de Ladrones). Creo que este chico tiene una seña de identidad bien definida que distingue sus películas y si sigue por este camino, puede convertirse en un buen referente. Aprende rápido de los maestros y si Adiós pequeña, adiós me hizo recordar por momentos al Mystic River de Eastwood, Argo me recuerda en muchos aspectos (en especial en el diseño de producción) al Munich de Spielberg. Con esos referentes, mal lo tiene que hacer este chico para no destacar.

La historia de Argo me parece tan rocambolesca, que si no fuera por las fotos originales (emotivo y bien montado colofón final en los títulos de crédito), pensaría que eso de que es cierta se lo han inventado para la ocasión. Creo que con historias como esta es muy fácil escribir guiones, pues la fuerza y la capacidad de enganche que ya de por si contienen los hechos narrados, constituyen un guión sin necesidad de adornos. A pesar de ello, el guionista Chris Terrio, incluye algún que otro elemento, hacia el final de la trama, para acentuar aún más la tensión en los compases finales. En mi opinión todo este aderezo sobra aunque no llega a molestar y ciertamente, a todo aquel que no conozca la historia real lo mantendrá aún más pegado a la butaca. Todo sea por el espectador. A su vez, está muy bien conseguido el contraste entre la opulenta y desenfadada sociedad californiano-hollywoodiense de los finales de los setenta y el cambio político-social que sufrió Irán en dicha época. En este punto cabe destacar la dureza y la tensión de los primeros compases de la película, en la que asistimos a un escueto pero acertado resumen del cambio de gobierno y al dramático asalto de la Embajada Americana.

El plantel actoral destaca especialmente por el gran parecido con los protagonistas reales de la historia. A pesar de que todo gira en torno a los seis "atrapados", quiero destacar el gran papel que realizan el gran Alan Arkin y el no menos grande John Burman. Sus personajes cuentan con los diálogos más ácidos de la película y creo que ambos realmente lo bordan a pesar de los pocos minutos en pantalla. El contrapunto lo pone Affleck y no quiero que mi animadversión hacia él sea la que hable, pero su personaje carece de un trasfondo y el poco que nos muestra es totalmente desaprovechado (tanto a nivel de guión como de interpretación).

La puesta en escena es realmente impresionante. Tanto la fotografía, como el maquillaje, vestuario, banda sonora y exteriores son de quitarse el sombrero. Gracias a todos ellos el espectador se sumerge en aquel fin de década sin ningún esfuerzo. Realmente encomiable la labor de producción.

En definitiva, Argo es una de esas películas que hay que ver tanto por lo entretenida que es, como por lo maravillosamente cuidada y construida que está. Por sacarla un pero, yo diría que ese retocado final lleno de casualidades y curiosas coincidencias chirría un poco y resta bastante credibilidad a una historia, hasta ese momento impecable (dista bastante del final real, más simple y menos cinematográfico), pero es cierto que la taquilla manda. Aún así, creo que si buscas una película que te atrape desde el primer momento y te mantenga en tensión hasta los títulos de crédito (quédate para ver las imágenes reales y verás que han sido calcadas en la película), Argo es una estupenda opción. Eso si, para disfrutar a tope este viaje, te recomiendo no indagar en la historia hasta que hayas visto la película. Lo disfrutarás aún más.


Lo mejor: La historia y un diseño de producción fantástico. Goodman y Arkin se salen también.
Lo peor: Los añadidos cinematográficos finales y Affleck en constante estado etéreo.

Género: Thriller: 4; Comedia: 3; Política: 1; Drama: 3

jueves, septiembre 13, 2012

Hara-Kiri: Muerte de un Samurai

TÍTULO ORIGINAL Ichimei (Harakiri/Seppuku)
AÑO 2011
DURACIÓN 126 min.
PAÍS Japón
DIRECTOR Takashi Miike
GUIÓN Kikumi Yamagishi (Remake: Shinobu Hashimoto. Novela: Yasuhiko Takiguchi)
MÚSICA Ryûichi Sakamoto
FOTOGRAFÍA Kazuko Kurosawa
REPARTO Ebizo Ichikawa, Eita, Koji Yakusho, Hikari Mitsushima
PRODUCTORA Recorded Picture Company (RPC) / Sedic International / Shochiku Company
WEB OFICIAL http://www.ichimei.jp/
PREMIOS 2011: Festival de Cannes: Sección oficial a concurso
2011: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso
GÉNERO Drama
SINOPSIS Deseando morir con dignidad, Hanshiro, un samurái sin recursos, solicita realizar el ritual de suicidio en la residencia del clan Li, cuyo director es Kageyu, un guerrero obstinado. Intentando que cambie de idea, Kageyu le cuenta la trágica historia de Motome, un joven ronin que llegó solicitando lo mismo. Remake en 3D de la película homónima de Masaki Kobayashi (1962), con Tatsuya Nakadai en el papel principal. (FILMAFFINITY)

Cuando uno oye que Takeshi Miike va a ponerse al frente de un remake de una de las mejoras obras del cine japonés, no puede hacer otra cosa que ponerse a temblar. Miike es un director de esos que adoras u odias. No hay término medio. En su haber tiene obras de verdadero culto, aunque su exagerado afán por dirigir el mayor número de películas al año le ha llevado a firmar producciones de lo más casposo. Es por ello que mi primera reacción fue llevarme las manos a la cabeza. Me alegra, tras ver el resultado, volver a llevarme las manos a la cabeza, aunque esta vez sea de admiración. Espero que Miike siga este camino que pareció encontrar con 13 Asesinos y que ya vislumbraba con Sukiyaki Western Django.

Seppuku, que en España fue traducida como Harakiri, es una de las mejores producciones niponas de la historia. La dirigió Masaki Kobayashi en 1962 y nada tiene que envidiar a producciones orientales de maestros como Oshima o Kurosawa. Este remake de Miike respeta la esencia de aquella, hasta el punto de calcar alguna que otra escena y ahondar algo más en el aspecto humano de la historia, aunque a veces exagere el tinte dramático de la misma. Estamos, por primera vez en mucho tiempo, ante uno de los pocos remakes que considero realmente homenaje a su antecesor.

La historia ya era de por si estupenda. En ella asistimos a la confrontación del honor verdadero de una familia frente el honor vistoso y vacío de un opulento clan de samurais. La eterna lucha de clases, aunque esta vez vista desde el prisma del honor. El dramatismo de la historia se acentúa aún más en la obra de Miike, llegando a incomodar al espectador con algunas escenas realmente duras. Que Miike haya rodado una historia tan profunda como esta, no quiere decir que haya olvidado sus habituales dosis de violencia, pues aunque solo aparece en contadas ocasiones (inicio y final de la película), cuando lo hace no se anda con medias tintas. En este aspecto me pareció realmente sobrecogedora la escena que se produce a la media hora de comenzar la historia. Realmente impactante y no apta para sensibles (tanto a nivel visual como humano).

Los personajes están muy bien dibujados y maravillosamente interpretados, destacando Hanshiro, que acude a la residencia del clan Li para acabar con su vida, Kageyu, el portavoz del clan y Motome, el joven ronin que protagoniza la primera historia. Hacía tiempo que no disfrutaba tanto de las, en ocasiones, exageradas expresiones faciales del cine oriental. Aquí las miradas, los gestos y los arrebatos de ira, están llenos de expresividad y los actores los reflejan a la perfección.
Mención aparte merece la estupenda escenografía montada para la ocasión. La película ha sido rodada en 3D y eso se nota, curiosamente, para bien. Me encanta el tono verdoso que invade todo y que dota de ese toque clásico a la historia. Así mismo, en los compases finales los copos de nieve hacen acto de presencia, dando lugar a unas imágenes de una belleza sobrecogedora. Si argumentalmente me gustó mucho, visualmente me encantó. Una puesta en escena realmente impecable.

Harakiri, Muerte de un Samurai, es por tanto, un magnífico homenaje al clásico de Kobayashi. Sé que puede parecer curioso ver algo tan clásico rodado en 3D y que funcione bien, ¡pero es que realmente funciona!. Los que busquen acción quedarán decepcionados (aunque el tramo final es realmente bueno en este aspecto), pero todo aquel que admire la figura del samurai o que simplemente quiera disfrutar de una gran historia con una belleza plástica realmente fantástica, disfrutará de la última propuesta de este enfant terrible del imperio del sol naciente.


Lo Mejor: La historia y la cuidada puesta en escena.
Lo Peor: Que el dramatismo de algunos pasajes quede demasiado exagerado por la forma y no el fondo.

Género: Drama:5; Violencia:3

miércoles, septiembre 05, 2012

Headhunters

TÍTULO ORIGINAL Hodejegerne (Headhunters)
AÑO 2011
DURACIÓN 98 min.
PAÍS [Noruega]
DIRECTOR Morten Tyldum
GUIÓN Lars Gudmestad, Ulf Ryberg (Novela: Jo Nesbø)
FOTOGRAFÍA John Andreas Andersen
REPARTO Aksel Hennie, Synnøve Macody Lund, Nikolaj Coster-Waldau, Joachim Rafaelsen, Gunnar Skramstad Johnsen, Lars Skramstad Johnsen, Signe Tynning, Baard Owe
PRODUCTORA Nordisk Film / ARD Degeto Film
GÉNERO     Thriller. Comedia Negra
SINOPSIS Roger es un reputado cazatalentos noruego que vive en una maravillosa casa de campo con su esposa Diana, la bella propietaria de una galería de arte. En realidad, está viviendo muy por encima de sus posibilidades; si puede mantener ese ritmo de vida es gracias a que se dedica a robar obras de arte. En la inauguración de una galería, su esposa le presenta a Clas Greve, que, además de ser el candidato perfecto para el cargo de director general de la compañía de Roger, es propietario de una pintura muy valiosa. Roger ve que le ha llegado la oportunidad de alcanzar definitivamente la independencia económica y empieza a planear el robo del cuadro. (FILMAFFINITY)

No me suelen dar buena espina las películas cuyo poster atesora frases del tipo "de los productores de (ponga aquí su éxito favorito)". Siempre me ha dado la sensación de es una carta de presentación inválida (aún no conozco a una productora que no haya apadrinado algún bodrio tras un éxito rotundo). En esta ocasión, mis miedos eran infundados y me alegré de comprobar que Headhunters ofrece más de lo que en un principio pudiera parecer, entretiene y por si fuera poco, destila mala leche por los cuatro costados.

Headhunters, sin llegar a ser una obra maestra, es una digna muestra de cine negro llegada desde las frías tierras noruegas. La historia comienza despacio, con esa aparente falta de ritmo que muestran todas las producciones/novelas nórdicas, pero tras las oportunas presentaciones de personajes, un hecho en la vida de nuestro protagonista da un vuelco a la historia, momento en el cual todo se acelera de manera vertiginosa, hasta desembocar en un final que alguno ya ha tachado de alocado y esperpéntico, aunque yo disfrutara horrores. No estamos ante cine negro al uso, a pesar de que me alegró encontrar puntos clásicos como la voz en off del narrador (si... a mi me gusta). En Headhunters se mezclan el thriller y la comedia negra a partes iguales y es este género el que a mi parecer, impulsa la película más allá de donde hubiera llegado de haber faltado alguna deesas estrambóticas y desafortunadas situaciones que sufre nuestro protagonista.

Aksel Hennie da vida a Roger, un cazatalentos de una gran compañía que para mantener su ostentoso tren de vida, roba obras de arte por las noches. Roger es un tipo con un complejo de inferioridad muy marcado (repite varias veces todo lo que ha conseguido con sólo un metro sesenta y ocho de altura) y necesita de su vida oculta para autoafirmarse. Al comienzo de la historia la empatía entre el espectador y el protagonista es nula (en mi caso incluso negativa), pero poco a poco Hennie va consiguiendo que cojamos cariño a un perdedor al que casi al final de la historia estamos intentando ayudar por todos los medios. Un gran trabajo. Al igual que Hennie, Nikolaj Coster-Waldau, conocido ahora en España por su interpretación de Jaime "Matareyes" Lanister en la serie Juego de Tronos, tiene unos registros realmente estupendos. Coster-Waldau da vida a Clas Greve, que se convertirá en la némesis de nuestro cazatalentos, protagonizando las escenas más sórdidas de la historia. Ellos dos, junto a los continuos giros de guión (alguno realmente bueno), son los protagonistas absolutos del film, a pesar de que el reparto cumple con creces sus objetivos.

La violencia hace gala de presencia hacia el comienzo de la segunda mitad de metraje. No nos engañemos, hay escenas duras y brutales, a pesar de que el humor (más macabro que negro en algunas ocasiones), suavice un poco la situación. Realmente brutal la escena del camión. Palabrita.

Bien es cierto que Headhunters no me parece una película redonda, pues cuando termina, te das cuenta de que hay piñones del engranaje que no acaban de encajar y que, debido al ritmo alocado de la historia, has decidido conceder como válidos durante el visionado. Un segundo pase seguramente me plantearía serias dudas sobre ciertas carambolas del guión. Aún así, creo que son totalmente perdonables en favor del espectáculo. A esta sensación de que la falta algo, contribuye también un final demasiado idílico que a un servidor le chirría un poquillo (si nos atenemos a la sucesión de acontecimientos hasta ese momento).

En definitiva, Headhunters es una de esas historias que sorprende porque contiene bastante más de lo que pretendías encontrar dentro. Comienza lenta, pero cuando acelera no para hasta impactar en el muro de los títulos de crédito. Entretenida, violenta y repleta de giros que mantendrán al espectador totalmente alerta y arrancarán a más de uno alguna que otra sonrisa con escenas realmente espeluznantes. Muy recomendable y muy por encima de la media de la cartelera actual (junto a unas pocas pero honrosas excepciones).



Lo Mejor: Las interpretaciones de los protagonistas y el vertiginoso acelerar de la historia.
Lo Peor: El final y alguna que otra aparente incoherencia de guión.

Escuchando: The subways - Rock'n Roll Queen

lunes, agosto 27, 2012

Brave


TÍTULO ORIGINAL Brave (The Bear and the Bow)
AÑO 2012
DURACIÓN 100 min.
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR Mark Andrews, Brenda Chapman, Steve Purcell
GUIÓN Mark Andrews, Steve Purcell, Brenda Chapman, Irene Mecchi (Historia: Brenda Chapman)
MÚSICA Patrick Doyle
FOTOGRAFÍA Animation
REPARTO Animation
PRODUCTORA Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures
WEB OFICIAL http://www.disney.es/brave/
GÉNERO Animación. Aventuras
SINOPSIS Mérida, la indómita hija del Rey Fergus y de la Reina Elinor, es una hábil arquera que decide romper con una antigua costumbre, que es sagrada para los señores de la tierra: el gigantesco Lord MacGuffin, el malhumorado Lord Macintosh y el cascarrabias Lord Dingwall. Las acciones de Mérida desencadenan el caos y la furia en el reino. Además, pide ayuda a una sabia anciana que le concede un deseo muy desafortunado. La muchacha tendrá que afrontar grandes peligros antes de aprender qué es la auténtica valentía. (FILMAFFINITY)

Cuando el abajo firmante recuerda títulos no tan lejanos como Up, Wall-e o Buscando a Nemo, no puede evitar preguntarse qué habrá pasado en Pixar para que aparezcan productos tan vacíos como Enredados o Brave. Recuerdo con cariño aquellas historias en las que niños y adultos reían al unísono ante una ocurrencia de Woody, Dori o cualquiera de los personajes que tan buenos tiempos nos han regalado. Las risas ahora se limitan prácticamente a las que ofrecen los siempre generosos niños y a las puntuales sonrisas de algún nostálgico. Bien es cierto que una vez más, el apartado técnico es impecable y la rojiza cabellera de nuestra protagonista, unida al siempre espléndido tratado de los fluidos digitales, harán las delicias visuales de cualquier espectador.

El que la historia se desarrolle en un entorno como el que conformaron los clanes escoceses frente a los británicos, para mi ya era un punto a su favor, al ser el escocés y sus tradiciones, un pueblo que siempre me ha parecido admirable. El que fuera obra de Pixar añade otro punto más al marcador. Por el contrario, la guionista es Brenda Chapman, cuyo Príncipe de Egipto me aburrió soberanamente (aunque al igual que Brave contaba con una majestuosa puesta en escena). Y el tema de que la protagonista fuera una joven descarriada me recordaba mucho (y peligrosamente) a Enredados. Al final todo se salda con un empate técnico, lo cual, acostumbrados a sobresalientes, no es suficiente para una obra de Pixar.

De Brave no me ha gustado su demasiado pueril historia, que más que para agradar a todo el público, parece haber sido diseñada para vender merchandising a las futuras princesas (porque también me parece más orientada a las pequeñas de la casa). Creo que el desarrollo es demasiado infantil y aburrido para el mensaje más adulto que pretende dejar el final de la historia. Argumentalmente un quiero y no puedo. Los momentos de comedia, siempre tan presentes en las producciones de Pixar, quedan prácticamente relegados a las esporádicas apariciones de los trillizos, resultando por ello algunos pasajes demasiado largos. Bien es cierto que las escenas de acción aceleran un poquillo el ritmo, pero para mi no fue suficiente.

 La parte buena, como viene siendo habitual, es la apabullante demostración visual de que Pixar es actualmente el rey de la animación digital. La fotografía es realmente alucinante y como ya pasara en Enredados, el pelo de la protagonista es todo un ejercicio de virtuosismo. Las animaciones de partículas (agua, fuego, lluvia, polvo,...) siguen dejándome anonadado, mejorando siempre un poco más respecto a pasadas producciones.

Creo que hay veces en las que Disney mete más la mano que Pixar y esta me parece una de ellas. Sin querer desmerecer la obra de Disney, diré que en casos como Brave echo en falta el desenfado de Toy Story, Buscando a Nemo, Los Increíbles,... y me aburre soberanamente el tono almibarado de la historia.

Junto a la grandeza visual, lo que más me gustó de Brave fue precisamente lo que no es Brave, o lo que es lo mismo, el cortometraje que precede a la historia. La sana costumbre de Pixar de preceder sus largometrajes con un excepcional cortometraje es algo que espero que sigan haciendo durante muchos años, pues es ahí donde demuestran con dos píldoras, que son verdaderos maestros. La Luna es un corto de factura impecable. Es mudo, tierno y extraordinariamente expresivo, como las buenas obras de Chaplin. Estoy en condiciones de decir, que me gustó muchísimo más esta entrañable mini historia, que todas las peripecias de Mérida juntas y que sólo por ver una maravilla como La Luna en pantalla grande, mereció la pena pagar la entrada.

En definitiva, Brave no está mal, aunque peca de simplona e infantil, algo a lo que Pixar no nos tenía acostumbrados. A mí no me ha emocionado, por mucho que digan que es un cuento de hadas y que su grandeza es que reinventa la fórmula que Disney agotó. Los guiños a los adultos han desaparecido por completo y parece que a algunos sólo nos queda el consuelo de maravillarnos con los maravillosos prólogos en forma de cortometraje. Espero que vuelva el cachondeo habitual el próximo año con la secuela de Monstruos S.A. (Monsters University) y que Pixar siga siendo esa máquina de hacer reír a niños y mayores por igual.


Lo Mejor: La sobresaliente calidad visual.
Lo Peor: Que yo no llegase a encontrar la nota emotiva.


Género: Aventuras: 3; Comedia: 3; Drama:1
Escuchando: Lorena McKennit & Enya - Highlander

martes, agosto 14, 2012

La Camiseta del Rincon

Señoras, señores, niños y niñas, con todos ustedes la camiseta oficial del Rincón de los Niños Perdidos.

La ha realizado Kampanilla, con ese buen hacer que la caracteriza, basándose en la camiseta Spoilt que diseñó Olly Moss. Ella ha traducido los textos, para hacer más daño al viandante hispano y ha mantenido un elegante blanco sobre negro, eliminando el violento rojo, pues ya de por si, la camiseta genera una violencia inusitada.

De momento esta que veis es única en su género, pero en breve proliferarán (con alguna pequeña variación cromática en el nombre de nuestro punto de encuentro, pues como esta, SOLO PUEDE QUEDAR UNA!). Seguiremos informando. Jefe Compañía a Cuervo. Cambio y corto.